谢邀。个人总结：艺术是内含一定审美标准的创造性活动。因此，后两个问题可以回答为，“世界上每一个个体”都有可能因符合某种标准而具有审美价值，并可存在不同的艺术潜质，但是否艺术要看此个体是否能按此标准进行创造性活动。“存在判定艺术的机构或者专家”，但因所维护的审美标准不同，此类机构或专家不唯一。

　　只有提供了独特的视觉、听觉和美感的享受的事物才是「艺术」。从这个角度来说，「Everything can be seen as ART」这种说法就就是不成立的，艺术必须是带给我们愉悦感或者其他独特的试听感受同时我们非常享受这个「艺术」。

　　Something should only be considered art if it was made by a particular process

　　持此类观点的专家们多半是认为只有通过了某种特殊的制作过程或者专业的判定之后所产生的作品，才能称得上是艺术。

　　其实从以上就可以看出来，事实上艺术世界体系是一个艺术作品或者一个艺术家展现给公众的大体框架，而「艺术界」也是「艺术家」们之间的艺术界。「Art is what the Art world say it is.」比如在画廊里面展示的物品通常都被人们看作是艺术品。这里可以参考一下这个问答：

　　但是撇开这种狭义的「艺术作品」来看艺术，单从体验上来说，那可能远不是这样。

　　对于美丽的东西而言，它的美丽是可以让人在意识形态里感受到它的美的。比如：玫瑰的目的可能是大自然的一部分，但是它的颜色和纹理让我们感受到它的美丽。

　　康德曾经提出过这样一个理念：审美是主观的部分，但它不是主观的。在这里他指的不是内在价值而是超越它实际存在和显示的美感。因为审美的愉悦是可以使得别人能够在同一时间内体验到属于自己的东西的。

　　再比如说一个公共画廊，通过收集、展示，使得公众能够通过人与艺术之间的体验来享受当代艺术，这远远超过了一个画廊本身的价值。

　　其内涵包括了种族主义通过下层社会，对西方思想利用剥削和撤销他人基本权力的基础来获取进步和繁荣的批判，鼓励人们真诚地面对自己的历史和不舒服的真理不要自欺欺人。

　　泰特标志性空间，不同于其他传统的雕塑和装置美术馆里直接介入地面的，颠覆了对美术馆和纪念碑庄严的感觉。这就是一种艺术。

　　对于像博物馆这样的艺术形式，可能也存在着很多问题。为了迎合小众群体，主流博物馆也会刻意通过举行小众文化活动来吸引小众群体。艺术博物馆始终被认为是精英机构，英美数据始终没有超过 22 %，并且这部分人都是高收入的知识分子。大多数国家艺术博物馆表面表达为所有人服务，但其实更接近于一种部落美术馆，各个群体都想要一个属于自己的文化的艺术博物馆。

　　艺术界（特别是博物馆）涉及多方面的政治因素，甚至可能引起外交事件。比如说「埃尔金大理石之争（The Elgin Marbles controversy）」：希腊政府坚持要求将其归还雅典，因为这属于文化盗窃，但是英国完全没有这样的打算。

　　前文也说到「艺术界」是一个比较特殊并且模糊的概念，它很不容易界定。这里引入 Gordon Graham 的循环理论：如果一个艺术作品一定要被艺术界的系统来定义，那么怎么去定义这个就是由艺术品构成的艺术界呢？

　　影响力的社会机构应该是在一种中立的位置上。比如：犯罪就是由法律和相应的法律制度所赋予定义和确定的，这样的机构是被当局和大众都了解并且承认的。艺术界既不是一个获取利益的企业也不处于一个无偿捐赠的状态，这迫使很多平民大众接受艺术界对自我的评估。

　　作为中国现代美术教育的领导机构中央美院（CAFA：Central Academy of Fine Arts），其官方的解说大意为「为那些想学习经验并从事创意的学生提供一个好的平台」，但事实上对于每一个学生而言，要变得更好还是更差：取决于你和谁相处，CAFA 能够让年轻人和真正的大家接触，得到提升。学校的每年会筛选掉超过 90% 的学生，但是它的毕业生中是出了很多知名大家的。

　　中国艺术品市场越来越大，每年申请的学生越来越多。但是教师的工资很低，他们手上的金贵的画布却可能产生巨大的利益。比如刘小东，央美毕业生，一副巨大的三峡画卖出了 270 万美元。加上中国教育环境里「艺术生」的特殊性，像四川美院，每年能大约也能收到超过 64000 份的申请，但只招收 1600 人（前两年的数据）。

　　事实上，很多的机构也可能会受到经济利益的影响，也正因如此，这些机构会驱动艺术界新的经济模式。

　　因为艺术的特殊性质，很多大家都会对「机械复制」严加。基于此，创意产业的 Model 其实是很难进行推广和本地化的。传播大家 Stallabrass 对这种 Creative Industries Model 更是坚决反对。

　　与此同时，许多艺术性质的奖励都是按照政府对艺术的定义为基础的（比如 The Turner Prize：颁给 50 岁以下的在过去的 12 个月里对当代艺术发展的巨大贡献英国艺术家。）

　　可以这样说，所谓的「艺术市场」是不自由的，艺术市场在某些程度上会对投资者和特定的艺术家倾斜，在某些程度上对投资者和特定的艺术家倾斜。因此，很难说到底是不是真的有那样一个很确切的机构可以「判定艺术」。但是发现美的眼睛，是无处不在的。正如康德那句「审美本身是一件主观的事情。」

　　从艺术史的角度看，前提条件并不取决于个人是否具有「艺术属性」或「审美品质」，而是源于当代人的精神需要、当代话语叙事结构的变化，emc易倍体育源于今天美术史理论的发展。

　　从社会艺术的角度看，似乎没有任何东西不能「成为艺术品」，取而代之的是大众对「艺术」的外部定义和描述。

　　譬如逛博物馆、品尝美食、玩玩健身、种植花草、听听音乐会……等等，人的参与、一定的视觉形式、艺术的「氛围」都是关键因素。

　　譬如装置艺术、过程艺术、行为艺术、偶发艺术等方式的逻辑起点是对艺术审美，以一种多样化、日常化、综合性的方式来实现对现代艺术的自我更新与超越。

　　每个人都有艺术家的潜质，通过观察、学习、体会，都能做出艺术创作和表达。都能够从自己身边熟悉的，从有感受的事物，重新思考和创作，每个个体都有可能是艺术，至于表现技巧，因人而异。

　　巴勃罗·毕加索说过「每个孩子都是艺术家，问题是怎么在长大之后仍然保持这份天赋。」

　　Ο καθένας έχει το δικό του αισθητικό σύστημα και γούστο. Το γούστο όλων επηρεάζεται εν μέρει από τα μέσα

　　υχαγωγίας και ένα μεγάλο μέρος αποκτάται επίσης μέσω της καλλιτεχνικής μάθησης～

　　我给你一个简单的，艺术就是高级的表达。你是画画写文还是雕刻剧作那都是表达，表达的手法决定了表达精不精明，能不能被大众认可，也就是你作品能卖多少。表达的是什么能决定你的作品在历史上能留下什么？

　　所以你弄了个东西作为传达媒介，这可以使美术(绘画、设计、雕塑、建筑)、音乐（声乐、器乐、舞蹈）、播音主持、表演、戏剧等，

　　所以艺术是人对主观美的客体表达，当你心中没有美，也没传达的强烈欲望的时候，你的一些行为也未必就能被称为艺术的。