设计是计划，是寻求解决问题的途径和方法。它既不限于事先构想，更不排斥实践，是人类智慧和技能表现得最为充分的领域；它涉及人类一切有目的的活动。例如造物，从原始到现在，造物的种类和数量不计其数，而在造物活动中，使物蒙受艺术光彩的因素就是“形”。作为一种创造行为，设计就是将某种观念转化为实体（给予特定的形）的过程；也是利用某些物质材料，在特定空间中“创造物体形象”的计划。考察物的造型过程，即可发现：
1.设计（即计划）是造物过程的中心环节。它源于需求，规约制作，决定使用。由此可见，自原始时代人类开始制造工具以来，设计就是人类不可缺少的实践活动。
2.产业革命迅速改变了手工艺者个人从事设计与制作的情况，出现了设计师这个新职业。造型计划也随之从混沌的生产关系中独立出来，这才产生了设计学及其后的发展。设计学是研究产品造型及其环境的学科，旨在总结人类设计活动的经验，以指导设计创作，创造某种体形环境。它的内容包括技术和艺术两个方面。（有人反对用这样的观点来谈问题，但学科细分化却是科学发展的历史事实。分化与综合是有机不可分割的两个方面，没有分子的分化，哪来量子力学的发生和发展？）
3.随着社会经济的发展和对设计的关心逐步加深，设计对象不断扩大。于是，造型计划又有了更细的分化。
其一，造型计划的性质有所不同。若将其按功能性、使用性或相反的无用性、无观赏性的要求进行整理，则造型计划的范围如下表所示。
通常我们所看到的造型，多是对材料和物体进行组织或加工、综合。这是专门研究“物与物”关系的机能造型和以“物与人”关系为目标的造型。前者的计划主要在工学方面（基于工学的知识和技术）进行，例如齿轮、发动机、人造卫星等。而后者，则还必须考虑人类的身体和心理。即便是后者，又有把使用者的生理条件作为设计重点的，即把人作为活动的物体来处理，例如驾驶座的设计。以上，一般被称为“工程设计”①。也有重视使用和接触制造物之人的生理与心理条件的（即寻求心理的、生理的、物理的条件的均衡），例如衣服、家具、住宅的设计等。这种计划常常不能用复杂的计算去解决，而更强调艺术感觉。此外，还有使用物体和物质来表现形象和色彩，以吸引注意，并打动受众的心，传达某种意义。此种情况是把造型作为作者与观众精神联系的媒介，通过物来建立“人与人”的交流关系，例如宣传画、广告等。以上，都被称为“艺术设计”，余者则属于“纯美术”②。
由此可见，艺术设计乃是一个技术和艺术融通的边缘学科，而并非理工科或者纯艺术的分支门类。再加上其又以实用性为基础，这就是为什么要叫“艺术设计”而不叫“设计艺术”的原因。艺术设计不是“艺术和设计”（写作“艺术·设计”），而是对design的意译（在国外，“设计”和“design”也是分别使用的），其内涵虽然也渗透到实用的造型计划中，但主要是指实用的、美的造型计划。
在这个领域中，复杂的公式和高等数学的计算方法无济于事，本质的东西在于以简化的公式为基础的方向性的估测，被称为“以直观为基础的力学意识和为探索方向而迅速、大致的估算”（属于直观感觉的技术经验领域），从而才有了艺术设计师自由驰骋并充分发挥自己聪明才智的空间。在实用的造型领域中，绝对不变的物理法则的因素变得越来越重要，艺术设计师只能密切配合工程师的工作，做二度创造（人性化设计）。而在纯粹美的造型领域里，则是美术家纯感性的专业范围（尽管有所谓“美术的工艺化”，那只是特种工艺，而不是艺术设计的主体），但艺术设计却可以帮助纯美术将“只可意会”变为“可以言传”的科学③，破除玄学。
其二，机械以机能价值为目的，却是为了人类而存在，所以必须适合人类并有秩序。遗憾的是，近代的科学技术排除了难于定量化的人类要素和社会道德等方面，只遵从容易对象化的自然法则，这样才在物的方面完成了急速的发展。不过，“无时求有，有时求好”。在科学技术高度发达和普及的时代，机械的形态也应该是美的，应该是反映一定时代人们的审美观念和社会艺术思潮的艺术品。因为美与真、善一起是人类最根本的愿望，具有最重要的价值。而且近代的产业组织又要求一切方面的专业化，于是，艺术设计学作为新的职业而诞生，并有了日益扩大的发展空间。这一点，完全可以由工业设计④的诞生得到证实。
传统的设计领域只有图案设计、工艺美术和建筑学。到20世纪初期，作为现代主义运动的一部分，视觉传达设计、工业产品造型、环境设计（室内设计和景观设计）才逐渐发展成为设计领域的独立分支，并统一为“艺术设计”。这是一种崭新的视觉文化，它将新的视觉现象（大众社会、批量生产的工业产品）与艺术、广告以及新媒介结合为一体。
艺术设计的产品是社会物质文明、精神文明的集中表现。从原始社会以来，造物活动始终在社会生活中占有十分重要的地位。我国历来以“衣、食、住、行”来表达人类生活的基本要求。艺术设计学产生于人类的造物活动，又服务、指导着人类的造物活动，从而创造出新的生活方式。所以，如何应用造型技术和艺术来创造合适的环境以满足各种社会需求，是研究艺术设计学的根本任务，也是艺术设计学最基本的社会性质。
艺术设计学服务的对象不仅是自然的人，而且也是社会的人；不仅要满足人们物质上的要求，而且要满足他们精神上的要求。因此，社会生产力和生产关系的变化，政治、文化、宗教、生活习惯等的变化，都密切地影响着设计的技术和艺术。此外，艺术设计学的美学意识自然受到社会思想潮流的影响。这一切说明艺术设计学发展的原因、过程和规律的研究绝不能离开社会条件，不能不涉及社会科学的许多问题。
艺术设计学是融技术⑤与艺术为一体的应用学科，它不是“艺术与技术”的相加，也不是“艺术与技术”的相乘，而是融合。无论是古代还是现代，任何一件从美学观点上公认的杰作在技术上都是一件优秀的作品。这足以证实技术与艺术的融合关系，其具体表现为：
1.艺术设计追求机械和人的关系有机化。所谓有机化，就是把近代科学、技术纲目很难抄取的美、善、社会正义等对人类社会来说最珍视的要素，挽回到狭义的技术中，使物－人－社会的关系变得更和谐。也就是说，艺术设计师是在工程技术所提供的可行性条件下进行艺术创作的，所以艺术设计不能超越当时技术上的可能性和技术经济的合理性。而作为技术要求的约束总是保持为一个自由度的界限（只作为单一的下限或上限）。这个自由度将允许任何一个艺术设计师的创造性，即使在严格的技术约束下，也能创造出实实在在的艺术品。反之，在一定条件下，艺术又会促进技术的研究和发展。
2.艺术设计师是凭经验和感觉去解决问题的，但这种经验和感觉与艺术家不同，是把计算与直观综合起来，把一个技术上正确的工程变成一项真正的艺术品。所以，千万不要让学生认为艺术设计学的学位就等于一个艺术家的毕业证书。艺术设计师是一个营造师，他以人类所知道的最难于表现的语言，也就是功能的、力学的、施工技术的语言来解决具体问题，并使它具有美的形式。不过，艺术设计师也不同于工程师：艺术设计师必须以简化的公式或方向性的估测来理解和掌握力学——施工的领域，为的是能够创造新型结构的造型方案，并大致定下尺寸。而对工程师来说，则应该有足够的数学理论知识，才能够对已确定结构的各个部分予以分析，并定出精确的尺寸。简言之，工程师能给人以规矩，不能与人巧；艺术设计师则于规矩之外，更与人巧。盖非精熟规矩，不足语于巧。
3.在纯美术的创作中，美术家可以不受社会、经济、文化、生产等条件的制约，可以异想天开、随心所欲地去创造。而在艺术设计的范围内，由于受生产、技术、使用和消费等条件的制约，创作必须满足大多数人的需要，必须创造出一种适应人们普遍心理、视觉经验和审美趣味的形式和内容。必须在充分考虑社会、文化、经济以及生产技术的前提下，在一定的设计意念引导下进行创造。确切地讲，艺术设计是在各种因素（机能的、直感的，生理的、心理的，共性的、个性的……）的限制中所进行的一种综合性创造。
艺术设计是艺术设计学的核心，这是因为指导艺术设计创作实践是艺术设计学的最终目的。艺术设计是一种创造性技艺，需要通过设计实践来学习。有关艺术设计的学科内容大致可分为两类：一类是总结各专业艺术设计（如视觉传达、产品造形、环境艺术等）的设计经验，按照各种艺术设计的内容、特性、使用功能等，通过范例阐述设计时应注意的问题以及解决这些问题的方式方法。另一类是探讨艺术设计的一般规律，称为艺术设计原理。其中，作为艺术设计基础的形态构成和立体设计是研究形态各部分的组合原理和构造方法（包括静态构造和动态构造）的学科。必须强调说明的是：设计技术不一定都是手头的工作，也不仅是仰仗手的灵巧，有不少是靠思考进行理智处理的成分。当然，大多数还是由手和眼这些人体器官的灵活动作所承担的。因此，特别是在学习的初级阶段，必须把重点放在提高并加强设计感觉及判断力方面的练习上。感觉的练习，一是靠比较（有比较才有鉴别），二是要理解（只有理解了的东西才能更好地感觉它），三是依照“计算－视觉化－对临－背临”的步骤，将计算转为直观化。
艺术设计史研究艺术设计、艺术设计学发展的过程及其演变的规律，总结教训，以利其发展。研究人类历史上遗留下来的有代表性的艺术设计实例，从中了解前人的有益经验，一边为艺术设计汲取营养，一边又成为掌握潜在的时代性和民族性之关键。
艺术设计理论因为“年轻”尚未达到十分科学的程度，留待研究的领域还很多。例如探讨艺术设计与经济、社会、政治、文化等因素的相互关系；探讨艺术设计实践所应遵循的指导思想以及艺术设计的技术和艺术的基本规律。艺术设计理论与艺术设计史两者之间有密切的关系。
艺术设计是一种创造行为，故而艺术设计理论必须是设计师能够根据自己的意图自由驾驭的。也就是说，要有可操作性，否则只能束之高阁。
艺术设计的终极目标在于通过造型及其组合，控制欣赏者的观赏运动，以达到宜人之目的。印刷设计是控制人的视点运动；工业设计是控制人的视点和绕观运动；室内设计、建筑设计、园林设计、城镇设计则是控制人的视点和亲历运动，并通过此举调动人的思维活动，从而影响人的思想感情的变化。另一方面，在大千世界中，运动的形态又是最引人注目的形态。由此可知，创造运动变化的形态是多么重要。
所谓运动变化的形态，并不一定是真实运动的形态。在造型活动中，最普通的是创造有运动感觉的空间形态。换句话说，就是创造“不动之动”。即：客观形态是不动的，给欣赏者的感觉却是运动变化的。这是因为，欣赏者的视点在动，欣赏者的人身在动（绕观或亲历），并由此带动了欣赏者的思维运动，从而产生了“超乎象外”的“惊人”效果。这就是所谓“形态的生命活力”。
中国传统造型理论早就把生物生长运动的形态与人的品格和精神联系起来，并且论述了运动变化的形态所给予人们的影响。这种不动之动（亦称“空间张力”）共有七种：
⑴主要导向——水平的（暗示低能量、平静的）与垂直的（暗示高能量、兴奋的）方向。
⑵框围的磁力——画面的框围、银幕的四边，对靠近它们的物体施展强而有力的拉力，尤其是四个角（两个主要导向——高度与宽度聚合的地方）大力地牵引着附近的物体。
⑶块体的牵引——大的块体比小的块体更具独立性、更稳定，块体越大，其牵引力越大。
⑷画面（银幕）的不对称——我们倾向于把焦点放在画面（银幕）右边的物体上。这种左右不对称同时也决定我们把倾斜知觉为上坡或下坡。
⑸图形和背景——人们把图形（经验或群化）当作物体知觉；而背景只是“无遮蔽”的画面范围的一部分。图形位于背景之前，是被包围的领域；背景是包围的领域，好像在图形后面延续。分隔图形与背景的线条属于图形，而不属于背景。图形比背景不稳定，与背景相比，图形看起来像要移动似的。
⑹心理描绘——采用最少的线索去充实心理上不存在的资讯，而达成一种易于处理的图样。具体内容有“整平化与尖锐化”⑥、“力象”⑦等。低鲜明度的影像强迫我们变成积极的参与者，只有在促进而非阻碍心理描绘时，才见美学价值。
⑺诱导力——把我们的眼睛从一点领到另一点上去的力。如果仔细查验视觉诱导力所运作的不同途径，很容易发现诱导力的三种类型：
轨迹诱导力：由可领导我们眼睛到某特殊方向的静态因素创造出来（透视消失线、位移和梯度）。
动势诱导力：由某些东西确切地指着一个特殊方向而创造出来（注意方向、动势和箭头）。
总之，运动感是激发感官并因此对机体产生效应的物质能量（刺激）。发出运动或“不动之动”的刺激的形体是刺激物。运动变化的表情因素有：节奏、速度的快慢，动作幅度的大小，形状的曲直，张力的大小，方向的确定与含混，内在支配力的主动、被动等。所有这些，都是艺术设计师应该掌握的能力。
设计作为一种文化现象，它的变化反映着时代的物质生产和科学技术水平，也体现一定的社会意识形态的状况，并与社会的政治经济、文化、艺术等方面有密切的关系。原始时代大多数人工制品既是工艺品又是艺术品。这一时期的人工制品大都不是纯粹从审美的动机出发的，着重考虑的是它在实际生活中的可用性。而后者是主要的，审美的要求只是满足次要的欲望而已。中世纪文艺复兴前的艺术可以说大都体现在建筑上，而这一时期最为突出的是教堂建筑，它综合了诸类艺术。教堂建筑中所使用的彩绘玻璃、祭坛画、壁画、复制画及佛像、雕刻、曼陀罗等，不仅是艺术的表现，同时也被当作一种符咒、信仰的对象。此时的艺术和工艺与生活之间始终是不可分离的一体。
人类生产和创造活动中，实用与美观相结合，赋予物品物质与精神双重作用，这是人类设计活动的一个基本持点。随着生产的发展和社会的分工，设计与艺术开始分离走向互有区别的两个独立体系。但无论从设计或从艺术发展轨迹来看，设计与艺术始终是相互影响、相互渗透并相互作用的。如文艺复兴时期的伟人达芬奇，他不仅是一位画家，还是一位雕刻家、建筑学家、气象学家、物理学家、工艺师等。同一时代的米开朗基罗、丢勒等都属于兴趣广泛知识渊博的全才。文艺复兴时期艺术与工艺在分离的同时仍存在着千丝万缕的联系。
随着时间维和能量态在共同的空间行为下，艺术逐渐转变为独立的意识形态，尤其在所谓多元化的今天，他更是一个包罗万象的一种意识表现形式。（甚至不乏一些伪艺术打着艺术的旗号所作的一系列的艺术的艺术）既然是意识就需要表现形式的存在，这也就客观的要求受众群体的存在通过两者之间的交流过程产生艺术的共鸣。从而进一步的深掘人们内心深处的声音，把它释放出来。说的明确一点，就是这种声音就是感情，释放这种感情就是的解放思想。不管这种思想是中庸的、颓废的、条件的、压抑的、痛苦的还是激进的、进步的、偶然的、兴奋的。都是形成人类感情的一份子。使个性寓于其性之中。没有个性也没有其性也许就是这个道理。
一提到“个性”人们也许就会直观的认为是艺术家应具有的天性，或天赋。没有个性的艺术家只被人称作行家，匠人，甚至难登大雅之堂之说，这样看来也有一定的道理。但是盲目的追求个性，以怪异、有邪，有意识的人为的结果不能寓于共性之中的个性，不能算是艺术行为，这是生理上的问题，是医生要解决的，在艺术上是没有出路的。
记得我曾看到这样一个故事，著名画家史国良在一次聚会中其中有位风格怪异的女画家（听说还很有名气）带着她的女儿，她女儿当然长的很漂亮。于是她笑着问史，说：你看我女儿长的漂亮吗？史说：“就像你的画。”当时那画家便一脸不高兴。从这当中不难看出这位女画家所谓的绘画语言是什么了。她是在为别人而自己，是哗众取宠，是顾弄玄虚，其中不无炒作的嫌疑。艺术为我而他，为共性而个性，从而达到人类精神升华，这才是艺术的真正目的。
画面（或场面）效果空洞的追求视觉效果，受众者只是承担了一份凑热闹的角色，我想这种艺术家们的追求的个性也就很难与别人进行沟通，交流，更不必说艺术的共鸣了。
艺术是我为他，设计是他有我。任何有价值的事物都有其使用价值，在艺术上也同样如此，只是价值表现形式不同罢了，艺术作品的价值是通过使用价值来实现、完成。艺术的使用价值就是作品受众时产生的时代共鸣过程或认知过程。没有这个过程，就不能反映其价值。即无价值的存在物。艺术只为我，设计只为他。单方面的体现，很难做出对艺术和设计二者各自的独立概念。事物是矛盾的，在矛盾中寻求统一，方为万物发展根本。古来中国主张“阴阳互补”方可万物归一，我想就是这个道理。
设计在我国是近二三十年来才出现的名词，以前，称之为“经营、布局、营造”。前面我曾提出了设计是解决问题，设计本身就是问题，说白了就是解决人类生活的问题，是为他，--为目标群体。因此要想做出设计就必须了解市场、了解科学、了解目的群体。单凭这些还不够，更重要的是要加上设计者的个性思维和设计提炼，即为他而我，合二为一。否则，只为他没有我，那么，我想信市场上、生活中的一切设计只会产生一个模式，缺乏变化性。正因为艺术上的为我而他、设计上的为他而我的存在，才有人类精神的丰实。知识结构的多元，生活才尽可能的丰姿多彩。
偶然在《苏大艺苑》报上阅读了一篇“艺术是我，设计是他”的文章②，其中所表示的观点在一定程度上阐述了艺术与设计两个概念的区别和含义。从而也使我部分的明确了作为艺术和设计的模糊认识。早在几年前（或者说一直延续到现在），我国的艺术工作者已经针对这两者之间关系有所争执，到底设计是不是艺术，设计和艺术能否同一而论的观点一直也是人们所关注的焦点。《美术观察》也曾经围绕这一问题作了的讨论。综观几十年来，国内工艺美术界对“装饰”、“装饰艺术”、“工艺美术”、“实用美术”、“艺术设计”等概念的逐步过渡和划分，体现了时代的变革和社会对艺术与设计的认识不断深化发展的过程。有人说设计本身就是问题，而艺术不需要解决问题。这个两者之间的联系与分歧，与“艺术是我，设计是他”有同工之妙。那么两者之间的关系究竟在何方呢？又该如何深入认识和重新定位艺术与设计的关系呢？在这篇文章中，本人斗胆谈一下自己的认识，虽然有兔子谈论死亡的嫌疑，但还是要敬请各位老师批评指正。
首先，本人就三个概念：“艺术设计”、“设计艺术”和“艺术与设计”谈一谈看法。在英文中我们很难看到“ArtDesign”或“DesignArt”，而“ArtandDesign”倒是用得很多，如芬兰赫尔辛基艺术与设计大学（UniversityofArtandDesign），美国哥伦布艺术与设计学院（ColumbusCollegeofArtandDesign）等。如果照国外的说法应该是“艺术与设计”较为准确。由此看来国际上将艺术与设计并列而立，体现了两个学科领域既相互联系、又各不相同的特点。在这里，艺术涵盖了美术、建筑、戏曲、影视和音乐等等的大艺术范围，设计则包括了从手工艺到工业设计的所有设计范围。这样的名称涵盖较广，也比较合理。而且在英文中“Art与“Arts”也有微妙的解释，西方院校名称中采用的大都是“ArtandDesign”，而不是“ArtsandDesign”，实际上在英文里“Arts”体现的是手工艺而不是艺术的多种类。当然，中国自有中国的国情，也不必一切都要以直接翻译过来为准。(参考：《关于艺术与设计的思考》，蔡军)
对目前我国对“艺术设计”的说法，主要有两种解释，一种是对“艺术与设计”的简称或模糊化思维，省略了其中的“and”，这种方式比较概括，但对于艺术和设计的关系表达不明确。一种则是在当前中国特定阶段，设计教育者们对设计的“国情化”解释。所谓“国情化”解释，是在人们还停留在“工艺美术”的概念上，对“设计”的定义缺乏全面理解的情况下，在“设计”前面加注“艺术”二字，使人们更容易接受这一概念。然而在“艺术设计”一词中，“艺术”只是定语，它本身成了对“设计”的装饰。同时“艺术设计”还是对过去“装饰”概念的最好演绎，比如过去的室内装饰系就改名为环境艺术设计系。从更深层看，这一概念反映了中国当代一批工艺美术界学者们对设计的认识。过去一些学者认为只有工艺美术，没有设计，所谓设计只不过是“现代工艺美术”。虽然这一观点随着时间的推移产生了变化，但认为工艺美术是艺术的一部分，要将其纳入“设计”范围还不如称其为“设计艺术”为好。
这只是从单独层面上划分，对直截了当的采用“设计”这一概念具有严重的妥协态度。忽略了设计艺术基因在艺术发展过程中的催化和促进作用。设计艺术与艺术设计，虽然常常被当作同义术语即使在一些正式的学术讨论中也常被交互使用，但要研究设计艺术，首先要追寻即成事实的真相，但在我国的文化含义中，设计艺术有相对的界限，那界限可以涵概精神的艺术和物化的艺术的领域。从文化发展的观点来看，设计艺术是艺术发展过程中一个从原料加工程序到成品之间的关系问题，也正是由于这种关系的规定性形成了一种特殊的、现实的存在方式，他同人的视觉思维、审美观点、生理需求一样，贯穿于艺术作品创造的始终。从古到今，从原始到成熟，在发展形式上，属于时间维的纵向状态，趋向于潜伏期。与设计艺术相区别，艺术设计更多属于现状的研究范畴。属于空间维的横向状态。趋向于爆发期。可以说当设计艺术处于空间维的横向发展机会中关注的越多，受重视的程度就越大，那么潜伏期也就相应的爆发，其实目前我们所处于的中西文化的碰撞，正是设计艺术的发展爆发期，也正是为什么会产生艺术与设计的争论的原因之一。二从早期的设计与艺术的关联性来看二者今天所承载的任务
艺术的发展苟合于文化的发展，众所周知，中西文化的差异在于人们的认识论依据和行为的不同。中国的文化在大一统的中庸思想里面潜伏了几千年，道、儒两大思想主使着东方文化主流，无极生太极，太极生两仪，两仪生四相，四相生八卦。这种原始认识论在“此中有真意，欲辩已忘言”的模糊逻辑方法中得到精确的认同。完成并履行着中国传统文化下的循环论。这种生死轮回的思想，不正是古代乃至近代唯心主义艺术论的动力之源么？艺术发展随着时间维的运动循环向前发展。应和着分久必合、合久必分的古代朴素哲学思想、图形1中的第一阶段我们称之为草创期，接下来是成熟期、升华期，最后回到式微期。这样周而复始，完成一个循环轮回。这是丛剖面形式上来分析，但我们的古人更为馄沌，把这种言、象、意的结果--自然转接的的弧线组合成无始无终的太极图。如果说太极图是东方文化的徽标，那么西方进化论文化的徽标可以用十字架表示，这种象限式的思维方式恐怕很难说明新老历史交替再轨迹上的决定论，对于习惯于东方“球体说”的人来说是难以适应的。然而有得必有失，有失方有得，象限论通过形式演变和坐标式的直观框架。揭示了文化发展过程的历史象限，是不以人的意志为转移的、又只能在人的自身活动中得到理性的答案。设计艺术在西方的最早形成与发展，正是这种理性答案的结果。人们在理性的基础上看待艺术创作，合目的性又合规律性的在这种历程、过程和活动中感应、寻找某种确定不变的终极因素。这种思维方式，在“球体说”的文化环境里，人们不会这样考虑，也不愿去考虑。这样，在一定历史意义上说，西方设计艺术早于我国的一个重要原因。
现在把二者放在同一界面上比较，循环论看到的是运动的相对性，这种两维的运动反映在一维中是同向的，也可以是异向的，这种意识形态只能被人们的直觉感悟，主客观的关系是体验的，不规定的，带有唯心主义的成分。进化论看到的是运动的绝对性（物质是运动的），十字交叉的图形，就映象来说，对立面很明显的不可调和的出现，既有上升，又有下降，既前进，又后退。这种绝对永恒的运动属性，必须用理性的思辩来把握，主客体的关系是规定性的，肯定的。物质和意识之间，再这种进化论的驱动下，变的清晰，具有明显的唯物主义色彩。唯物主义论认为：物质决定意识，意识反作用于物质。这种意识动态量的反作用，目的就是立足于解决人与物的关系问题。即设计，一种具象的，容易被逻辑感知的基因基因。
在古老的东方文明中，从未出现过物质与精神这两极对立的哲学。印度的梵的统一，中国的阴阳与道的对立统一，成为思辩的主力。对于梵与阴阳是无法用科学来解释的，也没有这种要求。通过进化论和循环论这两种文化现象，我们可以简单做出对文化本质的理解，一般来说，东方人重感性而西方人重理性，这也是近代科学都出自西方的原因之一，西方人喜欢用统计、计算、归纳、演绎或综合来分析事理，而中国人偏爱吟诗作赋思维无边联想，以求感性收获。但有一点我们要承认，虽然没有这种要求，不能说明就没有这种意识的存在，只不过是没有形成条文、形成体系记录罢了。以下部分的分析也许可以从中看到这种基因的存在。
看了上面这两句话，你也许还不会感觉到艺术与设计之间的互补关系，要知道，不论是艺术还是设计，它都是为人的艺术和设计，贡布里希曾说过这样一句极端的话：“实际上没有艺术这种东西，有的只是艺术家而已。”（《艺术的历程》）毋庸置疑，艺术的主体只能是艺术家或者艺术作品，艺术史的规律只能是艺术家参与艺术、干预艺术的规律。不论是在洪荒时代的原始艺术，还是在现今文明时代的现代艺术，都是建立在人与人、时代与时代、人与时代的共通共融过程中产生的，也就是说，没有哪一位艺术家能代表其所处时期的艺术风格，艺术家和艺术作品受时代政治、经济以及艺术家自身的局限因素所制约，毕竟，艺术不是无目的的产物。从最初的艺术动机可窥一斑。从人类有意识的创造性活动开始，艺术审美性便随着第一件工具的创造体现出来。砍砸器、投枪、骨针、兽皮衣裙、陶器等等大多数人工制品既是工艺品又是艺术品（现在仍把人工制品和手工艺品统称为装饰工艺）。但这一时期的人工制品大都不是纯粹从审美的动机出发的，着重考虑的是它在实际生活中的可用性。而后者是主要的，审美的要求只是满足次要的欲望而已。随着社会的发展科技的进步。冶金、造纸、印刷、纺织、航海、机器工业直至现代的电子工业的逐步产生，同时反映在艺术上的也是轰轰烈烈的变革与创新。因此，在不同的时空态的质点上会产生不同的艺术风格。在即将进入21世纪的今天，“设计”的概念已经越来越多的为人们所认同和接受。“平面设计”、“工业设计”、“环境（室内）设计”、“服装设计”、“陶瓷设计”和“都市设计”的概念为人们所熟悉。因此，纵观工业设计的发展历史，我们不难看出，设计与艺术经历了最初的一体化，逐渐形成各自不同的专业领域，直至发展为当今设计与技术和艺术之间建立的新融合，设计过程中自始至终都渗透着艺术的存在，所以我们不能孤立地强调功能主义，而忽略艺术对产品本身的影响，同时也不能过分为表现艺术而忽略功能性，艺术与设计必须完美地结合。
以上是从纵的方向来看，那么从横的方向又是怎样的呢？我们不妨在现今的艺术时间维上剖一个截面来研究一下。
设计始终是由艺术审美做指导的具有实用价值的“艺术形式”。是在人与物、主观与客观的关系基础上着眼的，基因与媒介、观念与形式、感觉与表现、主体自由化与客体自由化等等的相互结合相互作用的动态表现。屈指可数的艺术分类彼此之间都存在着密切相关的联系，这些联系点，在长期的艺术实践过程中犹如发酵粉一样，伴随引发着艺术动机的草创、成熟、升华。在时间维和能量态的共融交替下形成共通的意识形态，在这里暂且把这种意识形态叫做艺术的血缘关系，或基因关系。它是非物质的，以意识的形式存在，如果说的明确一点，这种基因感觉，就是设计因素的关系存在。他表现在艺术形态上就是设计艺术，表现在思维上就是设计理念。
图中独立的圆代表一门艺术门类（为方便识别起见，用三个表示），但是每一种艺术都不是独立存在的，这种环环相扣的存在形式暗示了艺术与艺术之间的暧昧关系。在认识、伦理、审美三种存在方式所构建的整个文化格式塔中，同样也可以解释这个暧昧关系。我们的认识角度要从组成艺术品的物质材料开始，这是表象的，直观的存在，如绘画中的颜料、纸张；建筑的石材、木材、钢材的结合；影视的声、光、电等等，所以在这一物质材料的角度上是独立存在的，是以具象的形式存在，是可以被视知觉的或听知觉的，但是看到这里，我们依然还不能说明设计始终是由艺术审美做指导的具有实用价值的“艺术形式”。现在让我们继续望中间看那块最小、也最集中的部位---审美角度.
马克思说：“人也是按照美的规律来建造型的”，④这一论点既包含了肯定美的客观存在，是熟悉的：又包含了人是按照美的客观法则和规律去创造这样一种即唯物又辨证的思想。是陌生的.这种即熟悉又陌生的体会,恰当的揭示了具有现代因素的艺术作品的重要特征.对于具有再现因素的优异作品可以产生某种审美经验的感召力.,所以我们在欣赏美术作品,作为欣赏者,经常触及再现性以及典型化的艺术所带来的特殊的审美动情力.这种”似曾相识燕归来”的经验感知就是潜伏在内心深处的美的作用力表现。是属于人的自身因素。
这种是抽象的，是需要一定的文化层次和心理经验感知的，不同的人文层次产生不同的经验感知。但是，这个过程同样是不可能一蹴而就的，他需要一种特殊的能够维系艺术形式成立的技术手段，这也就是我们主要所谈论的伦理角度。伦理角度上可以看出它包含很多方面，是最不稳定，也是最复杂的部分，它是一种能量态因素，对不同的艺术分类产生不同的能量，为艺术的再生输送新鲜的血源。它是无形的，但又指导着有形的存在，它是有形的，体现着一种无形得力量。每件艺术品或多或少所包含的这两种作用，起到一个传乘精神与物质的功能。一个立足于解决人与物之间的关系问题的功能。
首先，我们这里有一个黄色的圆和一块兰色的方形，单纯来看它只是一个有色的平面，除此之外没有任何意义。当我们把这两个图形并置，看看会发生什么可能。通过并置，你也许会感觉到这两个毫无意义的图形所产生的特殊的联想。这个圆可以是一轮明月，一只玉盘、或者一枚棋子等等。圆与兰色都属于客观物质材料，是造型的元素部分。但是，单纯的物质材料不能说明问题，它是具象的，是毫无意义的存在物，只有与其他物质技术手段产生关系，重新定位物质结构形态。这个过程，我们称之为物质性转换过程。属于造型与非造型艺术形式。简称---形。
当重新定位的物质结构形态,与人们内心精神审美结合，产生的联想形象（明月，玉盘、棋子等）这个过程是经过经验感知的是抽象的精神存在物，简称---神。
原本无意义的色块在赋予了它形与神的手段后，才真正成为形神兼备的艺术品。可以说，没有哪一件艺术品不是建立在审美作用下经过解决物质与精神、形式与内涵、主观与客观的问题下产生的。认识因素、伦理因素、审美因素三者的有机结合，成为创造艺术品的必要条件和手段。通过以上分析，如果把三者独立，分离成三门学科，即：*
由于艺术特色的要求不同，以及制作工艺差异，最终呈现的是的艺术面貌也是不一样的，其中，物质材料和设计创作技巧是偶然的，变化的，只有精神审美因素是共通共融的。在艺术创造过程中，不断的丰富这三门学科之间的独立性与交叉性，、把握彼此间的度与量，对多元化艺术发展是非常必要的。尤其要把握设计因素在艺术创造中的度与量的问题
以上三个图形表示：外在物质形态决定内在意识形态，内在意识形态反作用外在物质形态的差异比较，形象的说明了设计因素的增减，制约着形式与精神的后期存在形式。以绘画为例，片面的注重抽象精神存在，也就相应的加大设计因素的介入，从而使多数观赏者感到迷茫或百思不得其解，其中还不算民族、地域、风俗等的影响。这种作品如分割主义、构成主义绘画等。就象现在人们开始对毕加索的怀疑一样，他的艺术到底是曲高和寡还是哗众取宠，还有待于历史的定位和批判。同样，片面的夸大具象形态，忽略了设计成分的介入，必定大大降低削弱精神审美的因子，给人感觉画面就是画面，枯燥而无生气，真实而无意义。这就好比猴子模仿人们翻书，动作和神态很象，但仍然毫无意义。很简单，没有设计因素的介入，空洞的物质因素是没有美感而言的，更没有成为艺术品的可能的。即便是杜尚的尿盆，也需要一个无意识的制造过程，和一个有意识的发现经过。
综上所述，艺术创造---这一精神生产过程----中的主观与客观、精神性与物质性的交叉和多元、多层次的关系，物质因素、设计因素、美学因素的共同编织，也最终要求着意蕴美和形式美的高度统一。这种物化结构的自然结果，才构成了今天丰富的艺术门类。*
艺术与设计的关系，再次看来，是孪生关系，彼此间相互依存，设计可以是艺术，艺术包括设计，但不等同于设计。没有设计性的艺术，不是艺术。同样，没有艺术性的设计也不能算是好的设计。
对于艺术与设计的渊源、艺术与设计的争议出现、以及两者之间的位置关系，暂时就谈到这里，这是一个大的问题，由于本人现在知之甚少，颇有个人一面之词，也许我会在以后的学习中继续研究这个话题。但这也是一个小的问题，上亿年的历史留下了久远的人类文化，残酷的自然选择创造了人类文化，对于艺术与设计的关系答案不在先哲的遗书上，也不在名人的脑袋里，对从事艺术和设计的同僚们应该在书的字眼以外做工夫，深入社会各阶层、各角落中去，从实际出发，这些答案就在大众碌碌起居中、在饮食男女形而下的活动中、在农民黝黑的田野上、在吵吵嚷嚷的菜场上等等等等。
①参见《论艺术里的精神》四川美术出版社，原著（俄）瓦西里。康定斯基，吕澎译
随着人类文明的发展和社会的进步，人们的物质生活已有了长足的进步，所以人们越来越多的关注社会文化和自身的精神建设等上层建筑。同时随着人类科技文明的快速发展，为人们追求更高质量的精神生活提供了技术支撑。现代艺术设计中，对于人性化的重视程度不断提高，理性和感性的兼具是艺术设计者们追求，人与自然的完美有机结合是他们的目标，艺术设计者除了要将作品本身的目的性表达出来之外，往往会通过一些设计技巧和经验来表达自己的价值取向或所处时代的时代感，这时运用一些艺术符号来表达设计者的这些意图无疑是一个很好的选择，因此艺术符号在艺术设计中发挥着越来越大的作用。
不管是过去还是现在，不同的人对符号的认识和理解不尽一致，所以到目前为止关于符号的定义莫衷一是。笔者在参考了符号的一些定义后，认为可以这样来定义艺术符号：艺术符号就是设计者将某一对象与某种事物相联结,使其可以代表一定的事物，当这种联系得到了较多人的认同时，就会在这些人之间形成共识，最终默认了这一对象就是某一事物代表符号。
艺术符号是艺术设计中常用的一类符号，其作为符号系统中的一种，与其他的符号相比，既有相同的地方，也有不同的地方。相同的地方就是艺术符号具有一般符号所具备的一般特征，例如艺术符号是人类生来就有的抽象思维形式下的产物，是在理性思考和具象思维模式的基础上发展而来的，所以其具备抽象性又有理性的特征。另外，艺术符号还有自己独有的一些特征，概括为以下几点：首先是独特的艺术表现性。人们一般认为艺术符号是一门独立的特殊符号形式。而艺术表现性是指艺术符号具有其他符号所不具备的表现和呈现人类情感的功能，这也与艺术的不谋而合，因为艺术的本质也是表现人类情感。艺术表现性其实就是对人类抽象情感的一种表现，这种表现也可称为符号性的表现，因此，我们可以将艺术看作一种表现形式，自然也就可以将能表现人类抽象情感的艺术符号看作一种表现形式。这种特性的表现就是，当观众欣赏一个艺术作品时，他们看到的是符号中表现出来的设计者的个人情感或价值观念，而不会更多的注意符号本身。其次是艺术符号具有独特的艺术表现对象。艺术符号是表达作者的设计观念和信息的重要载体，设计者通过艺术符号的运用可以将他们的价值观念、情感精神、思想风貌等信息呈现和传递给其他人。有人曾说过：“艺术品就是将情感表现出来供人们观赏的。它是运用符号的方式把情感转变成诉诸人的知觉的东西，而不是一种征兆性的东西或是一种诉诸推理能力的东西。艺术形式与我们的感觉、理智和情感生活所具有的动态形式是同构的形式。”
建筑师在设计建筑时的一个重要原则就是以人为本，所以建筑师需要与人们进行互动，从而设计出更具人性化的建筑。而设计符号的运用是建筑师和人们互动的一种重要途径。当建筑师想要表达某种设计意图时，如果可以透过实际物体进行象征，能很具体形象的将其设计意图转化到这一实物中去，观众能够简单快速的明白作者要表达的含义；当然，建筑师也可以不用实际的物体来象征，而用抽象的手法来营造，这时虽然有些人仍能领会设计者想要表达的含意，但也有些人不能明白建筑师所用的抽象符号。但这种抽象的符号并不是不可接受的，因为它能留给观众广阔的想象空间，这样一来观众可以由抽象的象征，自行展开与它可能有关的意义，这时候人们不但参与了设计者的思考内容，也扮演着部分设计者的角色。
在环境设计领域，继承和创新是人们特别关注的一个热点话题，人们总是在在继承和创新之间摇摆不定。作为一名设计者，设计作品的优劣在很大程度上取决于设计元素的掌握、运用能力，所以要想设计出一个优秀的作品，就需要遵循人们的认知规律并选择合理的设计元素。当然，如果设计者能够巧妙地运用符号，或者有意识地改变符号之间的一些常规组合关系，也是创造出新颖动人作品的重要途径。在环境设计的过程中合理的加入一些符号元素有时能够起到画龙点睛的效果。我们会有这样的一个生活常识，就是人对于越熟悉的事物越是容易忽视，其也就难以引起人们的注意。因此，设计者如果在环境设计的过程中使用一些新的艺术符号或将熟悉的艺术符号做一些醒目改变，往往能够起到引人注意，使人深入思考的结果，这样设计者的想要表达的环境语言会更容易、更准确的传达给观众，起到环境宣传的目的。通过这种形式，可以使艺术符号在环境艺术设计中发挥桥梁的作用，以更通俗易懂的方式将信息传递给人们，使符号在表达传统意义的基础上传递出新的意义。例如美国新奥尔良市“意大利广场”，广场一端是一排排的五光十色的弧形柱子，但仔细观察就会发现，这些柱子的某些部位，例如柱子表面的草叶、竹子的基座等，并不是真实的混凝土柱子，而是由水流来冒充的，这种在人们意识中很熟悉的古典符号由水流来填充，给人一种出乎意料的感受，当观众注意到这一点时，会通过水流符号快速的感受到广场带给人的狂欢的气氛，特别是在夜间，当霓虹灯在夜色中亮起来的时候，这些柱子会在不同霓虹灯的装饰下，更加色斑斓，变化多端，给人一种眩晕的视觉感受，加上水花四溅的喷泉，构成了一片欢乐的海洋。人们在第一次看到这样的建筑时可能会感到有些不舒服，因为这不符合人们的正常审美，但这确实是设计者经过认真的思考的,他的目的是将这些人们熟悉的符号变形分裂后重新加以编排,使它们处于人们不习惯的位置，引发现实与经验的矛盾和冲突，从中体现一种特殊的意味，带给人一种别样的体验。
艺术设计作为一门研究人为事物的学科，是运用归纳、分析等多种设计方法及思维方式来进行创造的过程，是通过艺术和理性的思考来创造新文化、新观念的过程。因为设计在文化生活与交流中具有向文字、语言的某些特征，从而使我们有可能运用现代符号学，来探索设计符号形式与意义之间的关系，从而为艺术设计提供具体的技术指导和有力的理论依据。
[1]丁俊杰.《现代广告通论》[M].北京，中国传媒大学出版社，2013年7月
[2]汉宝德.《明清建筑二论》[M].北京，生活.读书.新知三联书店出版社，2014年5月
大千世界千姿百态，新消费主义的消费结构和审美现象也是一本万殊的。在现代市场体系下，纷繁复杂的审美现象不只是传统审美文化哲学所倡导的一个本质，同样层次、同样境界的审美现象共同体现了本质事物的多元核心，消费结构的变换不会也不可能共同实现着一个审美的目的，因为有多元的本质，可能一种审美现象有若干本质解说的变动。消费结构审美的大众化和普及化，在层次上有别于精英文化，而是存在于审美的质的规定性已经被时代所突破，雅俗无法统一在传统观念美的旗帜下了。高雅艺术和通俗文化之间，不仅有量的区别，在日常消费结构刺激下，生活中的审美境界与非审美境界之间则更是具有截然不同的感受角度，甚至有着质的区别。技术力量向艺术生产的本体性渗透，表面化的意向是技术操纵了设计,其实是整个消费结构设计系统工程的重建。研究深刻变化中的商业设计素材,已经是设计师更加重要的设计意图的根基。
随着全球贸易化的进程，各国间的交往日益扩大，市场经济运行方式日趋多样化，贸易往来更加自由。计算机的应用在改变世界，世界因信息技术的发展正在日益缩小，文化艺术也因网络而走向融合。在保留传统民族商业文化设计艺术呼声的同时，商业文化的综合形态正在逐步形成。崭新的传播学观点适时提出了超文化性理念，认为必须抛弃“旧的划分、分割世界以及线性分析的模式，转而采用蛛网式的思想形式”才能与信息化的进步要求相适应。用传统审美的眼光看民族建筑，我们自然要以飞檐翘梁和拱斗画栋而自豪，但是随着眼界的扩大，令我们惊叹的泰姬陵、艾菲尔铁塔以及纽约自由女神像同样是标志性智慧设计表现力的奇迹。后现代主义艺术设计哲学强调立刻承认正在发生的东西，并试图从中揭示人们审美方式在新事物刺激下的微妙变化。信息高速公路、多媒体、远程门诊、手机银行，甚至依照模特的示范购买流行的衣服款式、染发等一切不同于以往的新鲜的商业化设计元素正在出现。一键之捷让人重新回味起缓慢的进展，各类商业设计信息的重复性唤醒了对独特个性的欲望，选择的无限广播和迅即到达，使人感到真正需要理性来管理自己被激发的欲望。
传统的商业美术设计的艺术形象塑造是讲究典型化原则的。艺术设计师们忽视运用个体审美体验的创作原则很可能造成人物形象的单薄乏力，很难为消费者留下深刻的启迪和印象。商业艺术设计的典型化原则是以塑造高、大、全的消费品意图为主要的设计开发取向，而后现代主义的商业艺术设计元素则主线与大众消费文化合流，商品化设计塑造倾向于平民化，追求世俗性的甚至不惜采纳有缺陷的性格品类，新产品开发的方法讲究消解中小躲避崇高，创意艺术形象具有明显的非典型化倾向。完美无缺的设计可能很可敬，但并不可亲。而有缺陷但并无瑕疵的设计更具有单纯感，虽然显得丑陋，却是一般大众愿意接近的消费结构。
后现代主义的商业美术设计主张简化认识的复杂内容，因此主张用信仰取代认识。而信仰具有超越时间的特征，重新发现信仰的价值有着积极的作用。就商业艺术设计创作而言，它主张重新审视新消费主义文化的信仰和欲望领域，超越传统的一元化认识局限，倡导美向艺术以外的问题开放，重新打造商业设计美学的跨学科结构。传统的商业艺术设计媒介将成为历史，广告、美发、服饰，包括消费结构和消费行为设计都纳入审美范畴。偶像们提供现代的审美标准和生活方式，规定了大众新消费主义商业文化的走向，致使商业广告设计也加入到偶像的生产之中。体育和时装等亚文化形态融为一体，为不同主张的观众塑造跨越国界的偶像。
此外，后现代主义商业艺术设计认为表象化应让位于商业设计的行为艺术，商业设计创作和欣赏的界限逐步淡化渗透，消费的受众可以直接参与体会创作乐趣，表现的方式更加丰富和贴切消费结构本身。
从一定的意义上说，后现代主义商业美术设计哲学命题处在变动中，充满了相悖和矛盾。20世纪70年代后，工业革命时代的竞争宣告结束，代之而起的是知识经济的竞争，科学技术以前所未有的速度发展。从积极的意义上来看，民主化进程的逐步发展，社会组织结构日益向着平面方向演进，集权政治让位于民主政治，家庭关系在平等的基础上，商业艺术设计重心更是向女性偏移，它倡导商业艺术价值的哲学性要以更加平和的态度，面对实际生活中出现的无序形态的变化。人们一方面参与高技术的竞争，提倡适者生存，并以成功作为评价社会生活的标准。设计师应该比以往更加关注宗教问题、健康医学、文学与环境、伦理、种族偏好，甚至等问题。另一方面，消费结构中出现的享乐主义明显增加，强度也在逐渐蔓延。享受生活是每个当代人的权利，异质、相对、变化或许为我们所格外需要。当代社会意识潜在地要求反中心文化和边缘化改革。边缘化的主张有助于组织成员游离于激烈的权利竞争之外，充分享受现代化生活的宁静乐趣，纵使实现这一状态要以经济上的损失为代价。它主张放弃商业美术设计宏大理论，不要奢谈空洞抽象的艺术本质，放弃我们心理上始终的依托，使自己身处于商业活动之外。后现代主义商业艺术设计同时打破了艺术与生活的界限，使得一向被认为是崇高和高雅的艺术打上了当代商品经济的烙印。它强调艺术的大众性，消解现代主义艺术中的精英情结，主张重新利用民族文化资源，采用通俗的日常生活化符号，在一定程度上有助于商业艺术消费的普及。但同时也彻底否认了传统文艺的美学追求、文化信念和设计师意识规则，形成行为反常的怪异追求和迎合社会大众文化素养低俗趣味的倾向，导致了古典主义的衰落。
我国传统的商业艺术设计哲学像庄子哲学一样，本质上是一种超功利性的人生审美商业设计哲学。历来研究传统美德美学的大多数设计师，把注意力集中在“顿悟”“灵感”说上，而较少从总体上把它作为审美人生哲学来加以探索和估价。追求审美的超功利性，是一般商业艺术设计的哲学文化的主要特色。历史上，禅宗讲无念为宗，本质上要求超越生死是非个人功利目的，从而达到一种与自然、社会、客观规律和谐统一的高度的心灵自由。无念，既是一种超功利的审美人生态度，同时又是心灵高度自由的审美境界。这些哲学思想,如今还一直被融入我国艺术设计师的设计语言，而深厚的东方文化孕育下的中式审美,同样也有着道家、儒家等深刻的哲学烙印。我们的设计师多数因为艺术训练根基的原因,把以禅宗文化为代表的中式传统文化积淀的个人素养当作消费结构超功利的审美设计哲学，以此为出发点，总体审视了中式传统文化作为人生哲学的本质意义：把消除人的异化作为设计哲学评价主题，把获得高度的精神自由作为目的，把无念作为人获得解放的唯一途径。真正无念作为自救的途径，不是与世隔绝，心如死灰；所谓斩断尘缘的无念，是要求商业艺术设计师积极纵身于尘世生活，却又不为尘世生活中的种种物质欲念所束缚，保持一种高度的心灵自由。无念，就是要追求一种超功利的审美态度；唯是审美，故而以精神自由感为矢的，唯有超功利，方可达到精神自由这一矢的。审美与超功利的统一，构成无念的本质内涵。因此，超功利的精神自由是中式设计师艺术哲学的核心思想。但是这精神自由必须是建立在主体内心体验之上的个体与自然、与社会、与客观规律的高度和谐的统一，因而它也是一种商业设计审美的精神自由。因此，我们可以说，传统市场的审美观念是一种具有巨大吸引力、充满着智慧的超功利的审美消费结构的哲学。正是这一点，使消费水平与艺术设计结下了不解之缘，也正是这一点，凡是追求像纯艺术世界观那样美丽的人生的消费者，自觉或不自觉地把传统文化作为自己消费意识的指路明灯，使传统的商业设计艺术仍存在一定的生产空间。
由于这些消费结构的残余，一些设计师长久以来一直认为精神现象以及审美现象是独立于科学领域之外,实际上这是没有商业艺术设计科学素养的人的愚昧无知。对于今日仍落后于世界经济潮流的我国商业艺术设计美学而言，其弊端在于存在主观主义倾向，即艺术知识的创作生产中的天才崇拜倾向，是以一种纯粹的审美态度去体验艺术和审美对象的，以一种纯粹的审美意识去抽象理解审美真理的。我们知道：美不是实体，而是“美本身”，因此“审美是什么”不是语言学问题，语法不能解决符合不符合实际的问题。科学不是靠语法来发展的，设计师的审美性知识是一种面向个人的知识，让人凝视自己，观照自己的内心世界，开发自己的审美能力的知识。这种知识不应成为设计师感性与理性的对抗，个体对社会的抗拒,英雄主义对庸人哲学的批判，新消费结构的设计不应该形成对经典的崇拜和规范的恪守，在自我本位的实现之外提倡社会性利他主义。从艺术美对现实丑的接纳和消解入手，阐释“化丑为美”的审美机制，从而推演出现实丑同艺术美的单向转化，其适应性、准确性，与激发的意念、习惯，都在向我们显示不久的将来在商业艺术设计的古老产业里会产生彻底的改变。消费结构变化中的商业艺术设计趋势只能顺势而为方能达到事半功倍的效果，商业设计美学要成为真正的科学必须走出哲学本身。
消费市场体系的商业艺术设计作为“一切社会关系的总和”这一人的本质的对象化，是以加强人的社会化属性这一功能而具有事实上的审美作用。商业艺术设计作品能够唤起受众参与社会生活的心理满足感，或者是显示出参与社会生活的情景和气氛，这种“唤起”“显示”作用就是商业艺术设计对受众的美之所在。车尔尼雪夫斯基从具体生活现象中发现美，他的“美是生活”的命题指的是社会生活，而“社会生活在本质上是实践的”，参与社会生活是这种消费结构中实践的第—步和基本点。商业艺术设计以浓缩了的时间和空间把受众带入社会生活的一切领域，不仅体验到与这个世界紧密联系的喜怒哀乐，而且获得商业信息和机会组织起来参加各种社会活动，从中获得双向进展：改造客观的消费水平世界，既使其为人所用，又实现人的创造价值；改造主观世界，在掌握规律中形成正确的消费观念和思想，并从精神上丰富自己作为人而应具有的本质。直接显示人们在实践中这种双向进展，就是商业美术设计审美的出发点。根据这一审美出发点，我们可以给商业艺术的设计美下一个概括而又准确的定义：商业艺术的设计之美的素材的提炼是参与生活。
[2](日)杉浦康平著，李建华、杨晶译.造型的诞生.四川人民出版社，1998.
19世纪末到20世纪初，欧洲的许多国家和地区都出现了一种所谓的工艺美术运动，而这个运动包括了绘画，雕塑，设计，建筑，首饰，服装，瓷器等各个领域无不涉及，可以说是一次艺术全运动，对于艺术史是空前规模的。就在这次艺术运动中，出现很多知名的艺术家，享誉世界。
（1）工业产品设计。包括交通工具，机床，电器，家具，加工技术，新材料的开发，处理。
（2）视觉设计。像标志设计，商品宣传设计，电视电影设计，印刷美术设计等。
（3）环境设计。如室内设计，建筑设计，庭园设计，都市设计等。以上三点的设计是互有关联，互相综合的。现代设计是应用各种工业原料，应用一切科学手段，材料学，人体工程创造和制作能纳入工业生产轨道的美和用的设计。
在20世纪的德国，出现了著名的包豪斯艺术设计，在其宣言中提出了让纯艺术的艺术家们和普通工匠们联合起来进行艺术创作，而他们结合的新产物就是建筑。确实如此，建筑其实就是造型艺术的衍生品，许多在绘画史上杰出的大艺术家们，都在建筑方面有很深的造诣，把绘画艺术与建筑结合起来，正如米开朗基罗一样。文艺复兴建筑如此辉煌，得益于当时的社会平和。到了20世纪，包豪斯设计艺术的出现，现代艺术从此又达到了新的平台，使艺术领域更加广泛，不再限制人们的原有思想。格罗皮乌斯对包豪斯的设想当中，他的其中一个思想非常的重要，可以说从本质上讲，美术和工艺不分家，只是两种不同的艺术形式，不同的艺术活动。包豪斯艺术没有明确的局限性，从而出现了像康定斯基，克利，穆希这些艺术家。包豪斯艺术大胆创新，思想前卫，对现代艺术产生了极大的影响。
下面说说大艺术家康定斯基，康定斯基在包豪斯艺术教学中对几何形状的精妙运用，极大的影响了包豪斯的设计语言，但他一生的57件艺术作品被德国纳粹没收。康定斯基一生艺术多变，经历了不同时期，每一个时期都有不同的艺术的特色，印象派，野兽派，抽象绘画他都有所了解并且尝试，后来经过多变，从单纯的点线面的模仿尝试到后来的在二维平面上的几何概括图形，他在绘画上的一句名言是：客观物象损毁了我的绘画。如果要进行写实具象描绘，就必然放弃心灵上的自由描绘，由于他生活在包豪斯艺术之下，所以他放弃了写实手法。而蒙德里安，他主要是进行抽象创作。他在画布等二维平面上进行色块，线条的几何图形的组合，从而达到视觉平衡，逐渐确立自己的抽象画风。蒙德里安是抽象集团的中心人物。他的作品常给人一种神秘主义的超越感。蒙德里安的这种独特的画风，对于后来的艺术设计，特别是运用色彩和线条的组合方面，起到了很重要的作用。
进行现代运动的设计师想通过大规模的生产最终得出反对装饰风格的纯几何形式。最鲜明的代表就是包豪斯设计学校。他们致力于从事最新观念和最先进的设计，他们强调一种单一的现代运动的设计方法，即利用现代材料和工业生产技术，以原色红、蓝、黄和圆形以及方形为基础形成纯几何形式。在后来的发展中，现代设计也被称为国际风格。这是因为这一新方向产生的巨大影响而予以的美称。包豪斯设计中确实有很多值得我们国内设计师学习的地方，尤其是艺术家康定斯基的几何抽象绘画作品，比如色彩的运用，线条的位置摆放，线条的粗细对于设计画面的影响，还有颜色面积的大小对于作品平衡起到了什么具体作用，这些看似不是很重要，其实对于好的设计作品确实起到了决定性的作用，而且这些也是现代艺术和艺术设计之间的桥梁。
科学和艺术就像是亲兄弟一样，他们不可分割，他们相互影响，在一定条件下可以相互转化。在物质文明高度发达的今天，科学技术的快速发展为人们创造更舒适更便利的生活环境.世界似乎每时每刻都在发生着改变，而这些由科学技术的飞速发展而引起的人们行为，观念上的改变，也对传统意义上的艺术（音乐，诗歌，绘画，雕塑，建筑）造成了巨大的冲击.新的科技使得如今的艺术家能够以交快的速度完成一些前辈们所无法完成，甚至不敢想象的大型艺术品，而这些艺术品渐渐脱离了传统艺术的审美标准，变的越来越快速化，机械化，生活在21世纪的我们，要借助当下的一切有利条件，创作出更美好的艺术作品，那将会是人类在艺术领域的新的高度，期待那一天的到来。
这里探讨的范畴“设计”是以“艺术”为前提的，艺术设计首先应具有精神层面的审美价值，然后才是其他的社会功能，例如认知功能、功用功能、教育功能、娱乐功能等。“设计（Design）”一词在人们的社会生活中变成了流行的时尚语，我们的生活已经被设计严严实实的包裹起来。当代科学技术的进步，渗透到人类生产、生活的各方面，自然也使得设计的范围、内容、广度和深度发生改变。信息交流和存储渠道、速度、效率的发展，信息量的猛增，都使得原有的生产管理体制、文化艺术、道德、思维几乎已容纳不下这样的时间与空间上的变化。科学技术与艺术设计的合流已成为不可逆转的趋势。如果对艺术设计的理解侧重点放在角色和任务上，我认为艺术设计是设计师将人类精神世界的抽象思维感受用合理、形象和美的手法表现出来的工作。它应当是人类精神财富与物质财富的优雅和优质的表现。当艺术放在民众的生活平台上与设计结合时，那它的社会功能就具有普遍性，可以说在任何领域、任何空间里都离不开艺术设计的表现。设计的需求大了，市场也大了，艺术设计的行业队伍也壮大了，设计的行为与事件发生得比吃饭、睡觉还频繁，那么人们在日常生活中接触设计的行为与事件的时候，有没有因为设计的问题而困扰过呢？有没有被设计“非礼”过呢？我们可以肯定的回答，是有过的。面对这份遭遇和尴尬，大众只能从无言到无奈地承受着。为了追求社会的发展，也为了解决发展不足的问题，这些遭遇和尴尬不全是设计行为所导致，但为了艺术设计大环境的优化和进步，为了人们的生活更加美好，设计者应当坦诚的面对设计本质的认知不足，对设计原理理解不够，对设计观念的缺乏等问题，自觉的，尽快的行动起来，去弥补和挽回因遭遇和尴尬带来的伤害，那是我们设计者应尽的社会责任与义务。
设计的道德要求设计的责任和任务与产业结构、产品结构、生存方式、生存环境、生态平衡和伦理道德紧密相关。不要把设计当成信手拈来的事，设计创作展开前必须对该设计任务的前因后果、来龙去脉有所了解和掌握，整个过程是经过艺术的思考、理解，对多学科、多领域的知识进行客观有序的整合，运用艺术的手段呈现于社会的实用方法；其诉求的主体对象就是内容，而它的内容又是由信息与知识来构成的，两者的准确性则是最为重要的，其严谨程度不亚于科学研究。
在我们身边的设计中，常常看到堂而皇之的谬误，满不在乎的错乱，对待历史事件、人物、时间没有考证，中外时事、时政含糊不清，以点带面、马马虎虎的兜售着没根没茎的“鲜切花”，看着漂漂亮亮，但生命与延续与它无关。谈传统，不懂历史文化，说时尚，只知极致奢侈，中华民族传统文化之精髓的“忠、孝、节、悌、礼、义、廉、耻”全然不顾，取而代之的全是“欧式”“洋气”的面具，扭曲的时尚心态，无知又可怜。艺术设计是服务社会、服务民众的事，是公开放在大众面前的事，必须要态度端正的事。在设计中的每一个笔画、一个字母、一个细节都会造成无力回天、全盘皆毁的恶劣后果。公布于众的设计成果，是必须承担起面向民众的社会教育责任，必须具有积极的意义。误读与曲解及缺乏追究的设计传达内容，会对社会民众造成小到生活习惯，大至价值观的恶劣误导与伤害。艺术设计不要拿艺术当借口，以抽象做幌子，用风格遮蔽内容，不是五颜六色拼凑出来的，也不是用“创新超越”可以敷衍的。尊重历史，尊重事实，务必以最严谨的态度对待每一个微小的细节，做求真务实的设计。
在设计的常态中，繁杂的事务让设计者常常疲惫不堪，然而这种疲劳又表现在日常德行的草率上。例如对图文处理的不认真，字、词、句应用的时态与环境不计较，所表现出来的歧义与误会时有发生。设计道德与礼节的缺失已经像禽流感一样传染开。身边的设计有太多的抄袭、剽窃不断发生着，以至于这些“生动的案例”都融入了空气，让民众随时的呼吸。“知识产权”对大家并不陌生，但它却被大家对“山寨产品”尽情后肆意的践踏着，虽然这些现象没有危及我们的性命，但它已成为一种病态，这是非正常、非常理的社会状态表现，孰不知你在“非理”别人的同时，别人也在“非理”你，这种“非理”已成习惯的病态。
设计圈子里的人在谈设计的时候，总是要强调“细节”，实际上细节就是我们生活中“礼术”的写实表现，如果人与人之间起码的礼尚往来都没有，那么交往与相处就无法进行。如果说“口头礼貌”的升级是“书面礼仪”，那么用设计的方式介入书面礼仪则是高级的“礼术”，道德在设计的表现上就应当是具备的起码条件。大型系列公益节目《和谐拯救危机》中，净空老法师倡导的民族道德“教化”，就是从古人最基本的《弟子规》开始的，和谐就是自然，伦理需要回归。设计者在面对设计任务时的礼节与道德是不可缺失的。关于设计中的“度”，就是时间在空间上的恰当表现。好比学习外语的时态，根据境域的变化来讲求匹配，又好像添加颜料于颜料中来调出新的颜色一样，是综合空间的调合与平衡。在“的士高”厅里摇头晃脑的人是正常人，在课堂上摇头晃脑的人就是病人。“用最少的钱，做最好的设计”是设计项目服务时大部分客户都会有的想法，碰到这样的情况，不要急于责难客户痴人说梦，埋怨只会让你从起点就把“不顺”的种子埋下，直到在你收款的每一个枝桠上开花。这儿的“最少”和“最好”都是“度”的问题，寻求其中人与人，文化与思想，接受与给予，需求与需要之间的“度”，晓之以理，动之以情，做一个于甲、乙双方都各取所需的设计才是完胜，其中的高度就是教化的水平。俏皮话就是俏皮话，书面语就是书面语，审时度势的判定，恰如其分的演绎，做张弛有度的设计才更加耐人寻味。
在设计工作中，有时会遭遇业主方毫无理由的天马行空，竟然成就了一个空穴来风的作品。如果站在经营的角度，赢利固然是第一位，那么设计的经营是不是也应如此呢？面对生存已经是当务之急的时候那是合理的选择，就像基本国策“解决温饱问题”一样，我就把这种没有选择而饥不择食的设计称其为“无义的设计”。到了“仓廪实而知礼节，衣食足而知荣辱”的时候，“无义的设计”是见利忘义的小人之举，是信仰追求的迷失，是思想的离经叛道，最终只会纸醉金迷的丧失自己的专业操守。列夫・托尔斯泰说过，没有感情就没有创新、没有艺术。艺术是感情的产物，艺术的本质之一是传情达意，要潜移默化地感染人，要给予人美的感受，要通过感情的表达塑造作品的生命力。不仅仅是艺术创作才讲生命力，艺术设计同样强调，并且比纯艺术更纯粹、更细化、更写实。与纯艺术创作的区别之处在于它的含蓄与内敛，它总是在满足了功用之后才有情感的流露，先是功能，才有形式。欣赏设计作品时，我们通常可以发现作品内容饱含情感的丰富表情，也会发现一些设计作品毫无表情，这是因为设计的功用成为唯一要表现的时候，设计者恪守要求，控制情感，千万别认为这是无情的设计，其冷静的表现是润物细无声的细腻情感注入，情感表达的方式不一定非得去热烈拥抱和亲吻，它是在艺术设计中饱含情感且一如既往的贯穿全过程。以真诚的心对待每个设计就会有真诚的回报，无情的设计就像无情的人一样，令人发指。
英国工艺美术运动创始人威廉・莫里斯曾说，“艺术的目的就是使人们快乐的工作，并使他的闲暇时光变得丰富充实。真正的艺术是一种对人类纯粹的祈福。” 在艺术设计的道路上，每一个设计的跋涉者都有着不同的感受，我一直把这些问题置于自己的面前，在设计任务中逐个反复的审视和质疑，将其视为设计真正的开始。我们作为设计者，应该明白头顶上是扎根于社会的设计信念与方向，肩膀上是置身于民众的设计担当与责任，唯有坚定、执着者能够终见曙光，完成自己的设计夙愿，路途中遇到的“诱惑”和“阻挠”不该成为你的“岔道”，“摒弃”和“翻越”它才是回归艺术设计前进的方向。做负责任的事，做负责任的艺术设计。审视自我，审视自己的艺术设计。只要每位从事艺术设计的人面对每一个设计任务时，不回避、不妥协地对待问题，良好的艺术设计大环境就能真正服务社会，服务每个民众，最终的恩典依然会回报设计者。
[1] 杭间，靳埭强.包豪斯道路[M].济南：山东美术出版社，2010.5.
[2] 王受之.世界现代设计史[M].北京：中国青年出版社，2002.9.
[3] （日）原研哉 著.设计中的设计[M].朱锷 译.济南：山东人民出版社，2006.11.
[4] （法）雷蒙・ 阿隆.社会学主要思潮[M].葛秉宁 译.上海：上海译文出版社，2015.7.
[5] 朱光潜.朱光潜谈美[M]上海：华东师范大学出版社，2012.9.
作者主要从设计素描的内涵、特点及其与艺术设计的关系三个方面对设计素描进行简要的概述：
设计素描是一种新学科，它是传统绘画素描艺术精华与现代艺术学科特点相结合所形成的一门新的艺术造型艺术学科。因此，其在一定程度上继承了二者的优点。设计素描不同与传统造型基础素描，它更加侧重在研究客观对象内在构成关系和外观的整合感的基础上实现主动认识与创造。因此，艺术设计在一定程度上体现了科学与美学、技术与艺术的完美统一。
设计素描主要具有实用性和目的性、有机能性、科学性和审美性四大特点。具体如下：其一，实用性和目的性。主要表现在其能够客观地传达对象的视觉信息；其二，有机能性，主要表现在设计素描能够对客观事物的机能特点，对材质、肌理、结构等因素进行深入的了解、把握并适度表现；其三，科学性。设计思考方法符合科学原理、描绘方法遵循科学规律；其四，审美性，艺术美与科学技术美的结合。
设计素描与艺术设计的的产生于发展都依赖于物质与社会文化环境。二者之间相互依存的关系。设计素描是艺术设计的一部分，且设计师的灵感与创作思想需要通过素描形式才能表现出来。所谓设计源自思维理念，并诞生一定的创作结果，而设计素描在其中便是记录这一理念的一种表现形式和手段。因此，设计素描是整个艺术设计过程的一个重要环节，它能够完善的记录们最初的思维理念和图形发展、深入、完善并不断成熟的创作过程。设计素描强调运用造型技法通过艺术设计来表现构想，意在刻画成型。而艺术设计强调的是表现特征，其以创造为宗旨，意在根据市场所需“设计目标”通过生产加工和制造过程等过程实现构物。侧重传达视觉效果和再现艺术内涵和人文因素。
从课程结构优化的角度讲，笔者认为可分为感性课程和理性课程。感性课程目的在于培养学生的胆识，即大胆的去尝试，去感受，去体会。增加自身对于的感受力，一般我们认为具体包括如下五个层次：其具体包括感受的敏锐性、生动性、深刻性、独特性以及准确性。而理性课程则强调深入的对造型进行理解、归纳、抽象基础上实现的再创造。理性课程强调将创造因素与精神因素自然的揉入到作品中，使素描真正成为艺术创造的造型基础。通过上述两种课程的训练,可以有效的改变以往学生简单照搬的学习方式，转变为主动地思考,解决面临的问题，培养创新思维和创造力。
3设计素描在艺术设计中的运用分析从艺术设计专业教学的角度讲，我们一般可以将设计素描总课时量分为为三大模块。
线形结构素描环节的教学目的在于，使学生在对客观物象的内外构造关系进行了解和掌握的基础上认识到其本质、规律和方法，并以此为规律，从具象出发诱发创造性的形象思维和表现手法。细言之，主要是一个对物象进行详细的观察、剖析的基础上实现去伪存真，进而发现并运用其抽象的设计元素。作者认为，应在此环境设置短期作业，并以设计素描教学宗旨为标准，合理安排实作训练。笔者认为如果作业布置以长期作业为主,则极易导致学生思维耗费过多，仅提流于对具象的描绘，而忽视了创造性形象思维和表达手法的诱发。
这一环节的教学目的主要是培养艺术专业学生的审美力及胆识，强调培养只管的表现，即通过设计素描中的点、线、面、体、色度、空间、重量、质地、光线、材料等各类造型要素，采用不同的明暗、线形来表现物体的外在特质。这并不是单纯的临摹，其强调的是在对概括物体本质和精心写实重要细节来提升学生的控制能力、取舍能力、夸张变形能力以及细致观察力和充分的表现力等。因此，如何培养学生敏锐和精微的表现能力便是这一环节的主要内容，需在课程中安排一定的课时给予能力培养足够的保证。
这个阶段主要包括意向设计素描、抽象设计素描、装饰设计素描三个方面的训练。本环节教学的开展，一个由现实向幻想转变的过程，更是一个从乏味到有趣的心理体验的转变过程，其根本宗旨在于拓展学生的联想、创造、设计等方面的思维，引导学生将研究形式、方法、手段运用于具体实践，以创新实践表达自己心里体验，并学会运用独具特色的艺术语言和手法来阐释自己的意图。因此，我们在开展设计素描教学时，必须在深入分析艺术设计专业特点的基础上，尊重个性发展，并针对学生不同的个性特征和爱好实施引导性教学，使他们逐渐学会使用符合自身特点的表现方法，加深自身对于生活以及自然规律的认识，并能够实现多样灵活的运用艺术的表现规律。
设计基础教学的目标是培养有持续发展能力和创新能力的设计人才。面对上述问题，设计基础教育必须重新审视自身，进行理性分析，把握事物的本质和规律。在信息化和数字化时代，知识与观念更新的时间在不断缩短，学科之间的交叉与融合日益加强，学科和专业的界限在日益淡化，且向边缘化发展。基础教学也应具有时代性、开放性和兼容性，这样才有益于培养具有综合素质、一专多能的复合型人才。同时，如果基础阶段过于强调专业教育，无形中将抑制学生的发展空间和选择的余地，将使其潜能难以得到充分的发挥和挖掘。这样即使学生将来毕业了，获得了一定的文凭，也较难适应社会发展。
现代艺术设计是一门综合性的交叉学科。不同的民族、时代、经济模式、社会形态下，会有不同的艺术追求与艺术设计。现代艺术设计是物质与精神、科学与技术、实用与审美、经济与文化的有机统一。以往那种以工业化为基础的设计教育观念和体系，在以信息化、数字化为基础的知识经济时代已经突显其自身的局限性和滞后性，势必要求设计教育发生相应的变化，以适应时代的发展，满足社会的需求。
俗话说“万丈高楼平地起”。现代设计教育改革应率先从设计基础教育开始。倘若没有系统、科学、合理的设计基础教育，实现设计教育改革目标就无从谈起。目前各校课程设置至今仍囿于“三段式”和“三大构成”的局限。这样的课程设置虽然优势和特点明显，但如不能从整个人才培养标准的高度，对其作为一个不可分割的有机构成来看，完整课程体系被条块分割的情况就不可避免。结果课程安排成了简单的排列组合，基础课程与专业课程严重脱节，使得学生在专业设计上突显出创造力的缺失，这与我国艺术设计教育“宽口径、厚基础、高素质、强能力的综合性、创造性人才”要求相悖。
现代陶艺是现代艺术设计的一部分。现代陶艺主要传达现代人的观念和心声，特别强调对泥、釉及成品的实验性和探索性，强调创新意识，以充分展示设计者的观念和材质的美感。从本质上说现代陶艺并不是以时间来界定，而主要看作品中体现的观念和形式。这些特质正是把它引入设计基础教学中的重要的原因之一，具体体现在以下几个方面。
在欧美等发达国家，从幼儿园到大学教育中普遍实施陶艺教育，目的不只是为了培养艺术家，而是作为提高人的创造力和综合素质的一种有效手段。借助陶艺这种手脑并用的教育方式潜移默化地培养学生的创造意识。此外，我国作为陶瓷古国，普及陶瓷艺术的知识、弘扬优秀传统的民族文化艺术也是每个教育者的责任和义务，更重要的是可以开拓教育对象的心智，培养他们丰富的想象力和创造力。陶艺创作既是创造性活动，也是技术性很强的活动。从选料、成型到施釉、烧成，每个程序、每个环节、每道工序都有非常大的可塑性和变化的可能性。比如成型的方法很多：手捏、泥条、泥板、压模、挖空、拉坯等。其中任何一种方法都有着很多“意外”，为表达创作者的理念和创意提供了种种可能。因此，吸引着创作者不断地去探索各种造型、施釉和烧成的方法，使他们的想象力和创造力乃至艺术天赋得以激发和释放。陶艺的介入为基础教育提供了一个很好的介质。陶艺活动能让学生快乐地学会动脑与动手，设计思维和肢体的协调能力能够得到训练，这样不仅使设计基础教学的内容得到拓展，更有利于培养学生的创新意识。
设计既是一种文化现象，也是文化的表现形式和载体之一。在设计基础教育中体现文化性也是时代的呼唤。设计基础教育应作为多元化、多层次、立体开放式的综合体而存在。陶瓷艺术有着悠久的历史、丰富的文化底蕴和人文精神。除了可以丰富学生技术知识之外，还能陶冶情操、优化知识结构、扩大其知识储备。很多基础扎实的学生在大学三四年级的创作中显得平淡和乏力，没有广博的艺术修养和深厚的文化底蕴是重要的原因。凡艺术大师无不是广泛涉足，博采众长。这也是现在所倡导的“宽口径、厚基础”。
在学习实践中，一些学生难以静下心来投入到设计中去，缺乏坚韧的品质和勇于探索的激情。一件优秀的作品决不是偶然产生的，需要付出艰辛的劳动。特别是在市场经济的条件下，就业是一种双向的自主选择的活动，有着良好的职业素养必然将是一种优势。现代陶艺不同于别的材质，而是土与水、土与火的艺术。由于它的媒介物是可塑性极强的泥，可变性极大的釉料，以及烧制过程难以控制的火候，所以陶艺创作时常呈现出超越创作主体的艺术动机、艺术预期的现象，并且在没有成为作品之前随时都可能失败。因此，制作者需要具备良好的心态与调节能力。陶艺的制作有助于培养学生吃苦耐劳、持之以恒的品质。
现代陶艺的教学是一种教与学的双向过程，同时也是引导学生从被动接受转向主动性思考的有效途径。设计教育从本质上说是“训练设计思维能力和培养设计创造能力”的教育，建立起以培养人的创造力为核心的设计基础教育教学模式，一直是各类设计院校积极探索的重要课题。现代陶艺的特定环境类似于一个工作室，教师与学生处在一个平等的空间中，在这种学习氛围中，教师与学生、学生与学生间的互动会更加的流畅。教师的引导更为直接，教学指导具有针对性，更有利于因材施教，教师的制作理念、制作技巧也更容易为学生所接受，从而增强学生学习的自觉性。这将对教师提出更高的要求，有利于调动教师在教学改革中的创造性和积极性，从而形成一种良性的互动，以提高教学质量和教学水平。
设计基础教学要找准其自身的位置，紧紧围绕人才培养的标准来进行教学活动。要让学生学会思考，虽然陶艺的介入不能解决设计基础教学所有的问题，但探索的脚步一刻也不该停。
[1]黄启明.关于高等美术教育改革的几个问题[J].美术观。
